バジールのアトリエに始まる“物語” ― オルセー美術館展

スチームサウナで突然、全身に鳥肌が立った。観てきた印象派展の記憶が、蒸気の中で鮮やかに蘇ってきたのだ。この感動を、どうしても言葉にしておきたい。

ルノワールの意外な姿から始まる物語

展示室に足を踏み入れた瞬間、目に飛び込んできたのは一枚の肖像画だった。椅子に体育座りを崩したようなラフな姿勢で座る、驚くほどハンサムな青年。「ルノワールの自画像かな?」と思いきや、これはフレデリック・バジールが描いた《ピエール=オーギュスト・ルノワールの肖像》(1867年)だった。

印象派の巨匠ルノワールが、こんなにイケメンだったなんて。そして、こんなにくつろいだ姿で描かれているなんて。その親密さが、二人の友情を物語っていた。

印象派前夜―若き天才たちの集い

次の展示室で、私は息を呑んだ。

バジールの《バジールのアトリエ、ラ・コンダミーヌ通り》(1870年)。広々としたアトリエに、若き印象派の画家たちが集っている光景。まだ無名だった彼ら―ルノワール、モネ、マネ―が、このアトリエで語り合い、刺激し合っていた時代。歴史が動き出す直前の、奇跡のような瞬間が描かれていた。

「ここにいる全員が、後に美術史を変える人たちなんだ…」

ネイビーの壁に、ゴールドの重厚な額縁。西洋美術館の展示空間そのものが、もうラグジュアリーで圧倒的。ここにいるだけで感動してしまう。これから始まる印象派展への期待で、胸が高鳴った。

セザンヌの革新と、ドガの不穏

さらに進むと、ポール・セザンヌの《ギュスターヴ・ジェフロワの肖像》(1895-96年)が現れた。美術批評家ジェフロワが机に向かう姿。背景の本棚には、オレンジ色の本が並び、カラフルな色彩が踊る。印象派でありながら、どこかキュビズムの予兆を感じさせる構成。「セザンヌ先生、やりおったな…!」思わず心の中で叫んだ。

そして、エドガー・ドガ《ベレッリ家の肖像》(1858-1867年)。今回の展覧会のポスターにもなっている作品だ。

バレリーナの優美な姿ばかりを描いていたドガが、なぜこんなに不穏な家族の肖像を描いたのだろう。部屋の空気が重く、緊張感が漂う。父、母、二人の娘―それぞれが異なる方向を向き、視線が交わらない。家庭の不和を、これほど正直に大画面に描いてしまうドガの勇気というか、残酷さというか。「ドガ、やっちまったな…」と、また心でつぶやく。

けれど、実は私だけが「やっちまったな」と思っていたわけではなかったらしい。ドガ本人も、そう思っていたのだ。

この絵は、ドガが生きている間、一度も発表されなかった。描かれているのは叔父一家。政治亡命中の叔父、喪服姿の叔母、二人の従姉妹たち。家族の不和を描いてしまった絵。身内の恥を晒すわけにはいかない。ドガはこの大作を、死ぬまでアトリエに隠し持っていた。

発見されたのは、彼の死後。そして今、オルセー美術館の代表作として、展覧会のポスターにまでなっている。

ドガが「これは出せない…」と封印した絵が、100年以上の時を経て、こうして私たちの前に堂々と現れる。なんとも皮肉で、でも、だからこそ胸を打つのかもしれない。

モネの光、ルノワールの優雅さ

その先で出会ったのは、クロード・モネの温かな世界だった。

《アパルトマンの一隅》(1875年)。玄関に置かれた陶器の鉢には、竹のような観葉植物、その後ろはオレンジ色が鮮やかなカーテン。その奥に少年が立ち、さらに奥には影のように座る夫人の姿。窓から差し込む光が、床を美しいブルーに染め上げている。

「モネ、このブルー、きたーーー!」

そして続く展示には、ピエール=オーギュスト・ルノワールの作品が並ぶ。読書に耽る少女、そして有名な《ピアノを弾く少女たち》。19世紀後半、ピアノを弾くことがステータスシンボルとなりつつあった時代。ブルジョワ階級の優雅な日常を、ルノワールが柔らかな筆致で描き出している。

ゴーギャンの登場、そしてモネの睡蓮へ

ポスト印象派のポール・ゴーギャンも、わずかながら展示されていた。扇形の額縁に収められたタヒチの絵。「あ、ここにゴーギャンもいた!」ただし、フィンセント・ファン・ゴッホの作品は今回一点もなかった。オルセー美術館所蔵なのに。最近ゴッホ展があったからかもしれない。

そして展示の終盤、クロード・モネの有名な《睡蓮》が静かに佇んでいた。水面に映る光と影、揺らぐ水草。時間を忘れて見入ってしまう。

最後は、バラの花を描いた作品で締めくくられた。

バジールへの想い

しかし、私が最も心を動かされたのは、やはり冒頭の《バジールのアトリエ》だった。

自分のアトリエに仲間たちを集め、芸術について語り合い、夢を共有していた若き画家、フレデリック・バジール。

この絵を描いた1870年、彼は普仏戦争に従軍し、わずか28歳で戦死してしまう。

この作品には、のちに友人たちの手が加えられた可能性があるとも言われている。

そこに描かれた仲間の姿のいくつかは、バジールの死後、彼を想い、あの時間を留めるために描き足されたのではないかという説だ。

もしそれが事実なら――

この絵は単なるアトリエ風景ではなく、「かつてここに、彼がいた」ことを残すための、静かな追悼の絵でもある。

もし彼が生きていたら、ルノワールやモネと並ぶ巨匠になっていたかもしれない。

いや、きっとなっていたはずだ。

その可能性があまりにも早く断たれてしまったことへの、仲間たちの想いが、この画面の空気に溶け込んでいる気がした。

あのアトリエに集った若者たちの笑顔、情熱、希望。そして失われた時間。それらすべてが、友情と記憶ごと、一枚のキャンバスの中に封じ込められている。

オルセー美術館展。

ネイビーの壁、ゴールドの額縁、そして光を捉えようとした画家たちの情熱。

本当に、贅沢な時間だった。浮足立つ心と、震える何か。

そして私は、たまたま初日で開催されていた東京都美術館の「スウェーデン絵画展」へと、はしご鑑賞へと向かった。

続く…。

📍展覧会情報

オルセー美術館展 ― 印象派・室内を巡る物語

📅 〜2026年2月15日（日）

📍東京都美術館（上野）

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A “Story” Beginning with Bazille’s Studio — The Musée d’Orsay Exhibition

In a steam sauna, I was suddenly covered in goosebumps.

The memory of the Impressionist exhibition I had just seen came back vividly through the mist. I felt compelled to put this emotion into words.

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A Story That Begins with an Unexpected Renoir

The moment I stepped into the gallery, a portrait caught my eye. A strikingly handsome young man sat in a relaxed, almost casual pose, as if he had collapsed into a chair mid-movement.

“Is this a self-portrait of Renoir?” I wondered. But it was actually **Frédéric Bazille’s *Portrait of Pierre-Auguste Renoir* (1867)**.

I had no idea Renoir, one of the giants of Impressionism, had looked so handsome — or that he had ever been depicted in such an unguarded, intimate way. The ease of the pose quietly spoke of the deep friendship between the two.

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On the Eve of Impressionism — A Gathering of Young Geniuses

In the next room, I found myself holding my breath.

Bazille’s ***Bazille’s Studio on the Rue de La Condamine* (1870)** unfolded before me: a spacious studio filled with young painters. At that time, they were still unknown — Renoir, Monet, Manet — gathering here to talk, to inspire one another. It was a miraculous moment painted just before history began to shift.

“Every person here would later change the course of art history…”

Navy walls, heavy gold frames. The exhibition space itself felt luxuriously overwhelming. Simply being there was moving. My heart pounded with anticipation for what was to come.

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Cézanne’s Innovation, Degas’ Unease

Further along appeared Paul Cézanne’s ***Portrait of Gustave Geffroy* (1895–96)**. The art critic sits at a desk; orange books line the shelves behind him. Color vibrates across the canvas. Though Impressionist, the composition already hints at Cubism.

“Cézanne, you really did it…!” I shouted inwardly.

Then came Edgar Degas’ ***The Bellelli Family* (1858–1867)**, the poster image for this exhibition.

Why would Degas, so known for graceful ballerinas, paint such an uneasy family portrait? The air in the room felt heavy. The father, mother, and two daughters all face different directions; their gazes never meet. Domestic tension is laid bare on a monumental scale.

“Degas, you really went there…” I murmured to myself.

Apparently, I wasn’t alone in thinking so. Degas himself seemed to feel that way.

He never exhibited this work during his lifetime. The subjects were relatives — an uncle in political exile, an aunt in mourning dress, two cousins. A family’s discord exposed. Too personal. Too raw. Degas kept the painting hidden in his studio until his death.

It was only discovered afterward. Today, it stands proudly as a masterpiece of the Musée d’Orsay, even becoming the exhibition poster.

The painting Degas thought, *“I can’t show this…”* now confronts us boldly over a century later. There’s irony there — and perhaps that’s exactly why it moves us.

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Monet’s Light, Renoir’s Elegance

Beyond that awaited Claude Monet’s warm world.

In ***A Corner of the Apartment* (1875)**, a ceramic pot with bamboo-like leaves stands by an entrance. Behind it, a curtain glows orange. A boy stands in the middle ground, and further back, a woman sits in shadow. Light from a window washes the floor in blue.

“Monet — that blue!!”

Nearby hung Renoir’s works: a girl absorbed in reading, and the famous ***Young Girls at the Piano***. In the late 19th century, playing the piano was becoming a status symbol. Renoir captures the refined daily life of the bourgeoisie with soft brushstrokes.

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Gauguin Appears — and Then Monet’s Water Lilies

Post-Impressionist Paul Gauguin made a brief appearance too, a Tahitian scene in a fan-shaped frame. “Ah, Gauguin’s here too!”

Yet there was not a single Van Gogh work this time, despite the museum’s holdings. Perhaps because of a recent Van Gogh exhibition.

Near the end stood Monet’s iconic ***Water Lilies***. Light and shadow drift across the water’s surface. I lost track of time.

The exhibition closed with a painting of roses.

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Thoughts on Bazille

Yet what moved me most remained Bazille’s ***Studio*** at the beginning.

Frédéric Bazille, the young painter who gathered friends in his studio to talk about art and share dreams. In 1870, the same year he painted this, he went to the Franco-Prussian War and was killed at just 28.

Some say this painting may have been altered later by his friends. That certain figures were added after his death, to hold that moment in place, in memory of him.

If that is true, then this is not merely a studio scene — but a quiet memorial. A way of saying, *“He was here.”*

Had he lived, he might have stood beside Renoir and Monet as a master. Surely he would have. The grief of a possibility cut short seems to dissolve into the air of the canvas.

The smiles, passion, hope of those young painters — and the time lost. All of it is sealed into this single canvas, along with friendship and memory.

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The Musée d’Orsay exhibition.

Navy walls, gold frames, and painters chasing light with everything they had.

It was truly a luxurious time. A floating heart. Something trembling inside me.

And from there, I went on to the **Swedish Painting Exhibition** at the Tokyo Metropolitan Art Museum, which happened to open that same day — an exhibition double-header.

To be continued…